(03-13-2025, 11:14 PM)Antonin a écrit : Voilà une reissue « for addict » qui devrait plaire à Ange : Heaven Or Las Vegas des Cocteau Twins (1990) :
Impossible de mettre la main sur le disque original (qui doit être mal classé ), j’ai fini par arrêter de chercher et craqué pour cette belle reissue 2023, pressage Optimal :
Quel disque ! Je cite un article de Gregory Bodenes dans Magic : « Ivo Watts-Russell, le fondateur du label 4AD, le dira à de multiples reprises, Heaven or Las Vegas, le sixième album des Écossais de Cocteau Twins sorti en 1990, fer de lance de la maison de disques britannique, est non seulement son disque préféré du groupe mais aussi son disque préféré de toute la production de 4AD. «Disque parfait», affirme-t-il.
Quand on réécoute ces dix chansons d'Elizabeth Frazer, Robin Guthrie et Simon Raymonde, on n'est pas loin de se ranger à l'avis de leur découvreur et démiurge. »
Si vous voulez vous faire une petite idée écoutez Cherry-coloured funk et I wear your ring qui ouvrent les deux faces de ce disque incroyable !
L'un des albums que j'ai le plus écouté dans les années 90. ça donne envie de craquer pour cette réédition .
03-24-2025, 06:27 PM (Modification du message : 03-25-2025, 04:25 PM par flht.)
Hi,
Alors là, je ne vais pas être objectif : pourquoi ? Car je vous présente un de mes disques favoris des années 70', avec Rock Bottom de Robert Wyatt, Rust Never Sleeps du même Neil Young et Crazy Horse et quelques autres !
Zuma est un disque extraordinaire, même s'il n'a pas eu de succès critique et commercial (un peu quand même avec le temps), on s'en fiche totalement ! Un disque sur la séparation amoureuse, un morceau dantesque sur l'Histoire de la colonisation et un morceau qui date du quatuor Crosby, Stills, Nash and Young ...
Et puis, il y a la musique qui inspirera des groupes comme Pearl Jam, Alice In Chains, Sonic Youth, Queens of the Stone Age et bien d'autres encore. Le groupe est soudé, la cohésion est sans quasi aucun rival, même en Live ! Mais comment Neil Young a t-il réussi ce tour de force, alors qu'il embauche un guitariste rythmique qui ne sait pas jouer. Oui, il embauche un délinquant qui apprendra 3 ou 4 accords simples et que Neil Young drivera pour pouvoir jouer ses solos magnifiques dessus ses rythmiques extraordinaires. Frank "Poncho" Sampedro jouera de manière fantastique, certainement en guise de reconnaissance pour celui qui lui a offert cette réinsertion. Poncho sera membre du groupe pendant environ 40 ans !
Le résultat c'est ça : Cortez The Killer en live en 1991
Ou ça Un des (le ?) morceaux favoris de Lou Reed : il aimait les guitares et pensait que c'était la quasi perfection (repensez au fait qu'un des deux ne sait pas jouer), suis d'accord man
Concernant ma reissue, c'est une version 2016 Warner Bross Europe, disque pressé par Optimal Media. Mon exemplaire est silencieux, le son est bon sans "clic ou pok", juste très légèrement voilé. D'après les critiques sur Discogs quelques exemplaires ne sont pas exempts de défauts ...
03-25-2025, 11:13 PM (Modification du message : 03-25-2025, 11:24 PM par Antonin.)
Voilà qui fait plaisir Ange ! J’ai pas mal de Neil Young dans ma discothèque mais je ne connaissais Zuma que par sa pochette (comme du reste la majorité de sa discographie plethorique)… Alors j’ai pris le temps de l’écouter et je l’ai immédiatement adoré, adopté, et commandé ! Merci pour le partage
A mon tour de vous faire découvrir une pépite méconnue de 1975… Mais alors pour le coup il s’agit d’un disque vraiment insolite, unique album éponyme de Ted Lucas, guitariste surdoué de Détroit, qui refait surface à la faveur d’une magnifique reissue de Third Man Records, label d’un guitariste actuel bien connu de détroit :
Guitariste prodigieux, qui a été régulièrement employé par la Motown comme sideman des Temptations, des Supremes et même de Marvin Gaye !
Artiste génial et indomptable qui a méthodiquement sabordé toutes les chances de succès se présentant à lui… dont un juteux contrat avec Atlantic Records !
Et voici donc son seul disque qui est un véritable ovni, avec une face A faites de folk songs intimistes et une face B contenant des instrumentaux blues-psyché-expérimentaux incroyables…
La version expanded de l’album (uniquement en format numérique malheureusement) comporte des improvisations live méditatives complètement dingues comme l’hypnotique Love Took A Trip qui m’a mise à terre :
Un grand merci à Pitchfork pour cette découverte dont je ne ressors pas indemne :
Ah et puis pour les curieux qui veulent en savoir plus voici une traduction DeepL des liner notes du livret de ma reissue qui sont très instructives sur la genèse de l’album et l’histoire tragique du bonhomme :
« À la fin des années 1960, Ted Lucas a déjà connu le succès à deux reprises dans le monde de la musique, d'abord avec son groupe de psych-folk, les Spike-Drivers, et ensuite avec sa ramification, les Misty Wizards. En l'espace de huit mois, entre 1966 et 1967, les deux groupes sortent trois singles sur le label Reprise de Warner Bros, dont aucun n'a d'impact significatif sur le public ou la critique. Les deux groupes sont retirés du label en 1968.
Au début des années 70, Warner Bros. investissait beaucoup d'argent dans des vedettes comme James Taylor et Joni Mitchell, et cherchait donc le prochain auteur-compositeur-interprète à succès.
Bien que Warner ait finalement perdu de l'argent avec les groupes de Ted les années précédentes, le président du label, Mo Ostin, avait remarqué son talent. En 1971, Warner Bros a demandé une démo du travail solo de Ted. Il s'est terré dans l'appartement mansardé au-dessus de la maison qu'il avait construite avec sa femme et ses deux jeunes garçons pour commencer à travailler sur ce qui, à travers une longue série de faux pas et de déceptions, est devenu l'album que vous tenez entre les mains. À peine entendu lors de sa sortie originale en 1975, il a été pratiquement oublié jusqu'à ce que l'ère numérique rende l'ancien nouveau et nous permette d'accéder à presque tout.
Les mésaventures et l'auto-sabotage qui peuplent l'histoire de Ted Lucas, pour la plupart non racontée, peuvent parfois voler la vedette à ce qui devrait être l'héritage légitime de l'homme : une musicalité stupéfiante et un album presque parfait. Le concept magnifiquement simpliste de la composition de Ted "It's So Easy (When You Know What You're Doing)" suscite un sentiment d'ironie lorsqu'il est replacé dans le contexte de sa vie musicale. Il y a eu tant de fois où il ne savait vraiment pas ce qu'il faisait. Et il en a payé le prix (même si la bravade qu'il affichait au monde entier prétendait le contraire). Le parcours de cet album jusqu'à votre platine en est la preuve.
Ted était un homme de contradictions. Ses amis et camarades de groupe, sa propre famille, tous se souviennent d'un personnage magnétique, plus grand que nature, qu'ils aimaient et admiraient, mais qui les déconcertait vraiment.
"Il était comme une tragédie grecque. C'est ainsi qu'Annette Lucas évalue la carrière de Ted. Annette et Ted ont été mariés de 1964 à 1980. Bien que Ted l'ait tenue, elle et les garçons, Peter et Anthony, à l'écart de sa vie "professionnelle", elle pouvait clairement voir à la fois son énorme potentiel et sa lutte intérieure. "D'un côté, il voulait le succès, mais de l'autre, il le saccageait. Je pense qu'il s'est approché trop près du succès et qu'il a fait marche arrière".
Ron Coden, ami de Ted et compagnon de route de la scène folk de Détroit dans les années 60, m'a donné une épreuve photo datant de l'époque où Ted et lui s'étaient rendus en Californie pour y donner une série de concerts. Au dos, Coden a apposé une simple inscription qui résume la plupart des choses que l'on m'a dites sur Ted au cours des années où j'ai interrogé ses proches :
Ted Lucas
Je l'aimais - grand musicien,
pire ennemi de lui-même,
bon ami.
Au milieu de l'année 1966, avant l'échec des singles des Spike-Drivers avec Reprise, ils ont failli être signés par Ahmet Ertegün et Atlantic Records. Le groupe a enregistré une excellente cassette d'audition dans le célèbre studio de la compagnie et s'est vu offrir un contrat lucratif alors que le label cherchait à élargir son catalogue au-delà du jazz et du rhythm and blues. Mais Ted fut le seul Spike-Driver à refuser le contrat, pour des raisons dont personne ne se souvient.
Ce qui a le plus marqué ses coéquipiers Richard Keelan et Larry Cruse (ainsi que le guitariste décédé Sid Brown, qui a écrit un souvenir cinglant de l'épisode dans les notes de pochette de l'anthologie Spike-Drivers 2001 de RD Records), c'est la déclaration sans appel de Ted (et, de l'avis général, d'une xénophobie sans précédent) selon laquelle il ne travaillerait jamais "pour un putain de Turc". Il a fait pression sur le reste du groupe pour qu'il renonce à l'offre.
Nous ne pouvons que spéculer sur ses motivations. Je pense que cela n'avait rien à voir avec le fait que Ted soit grec ou qu'Ertegün soit turc, mais tout à voir avec la volonté de Ted de prendre le pouvoir au sein du groupe. Il était rarement enclin à faire des compromis, surtout lorsqu'il s'agissait de musique. Nombre de ses collaborateurs m'ont dit que lorsqu'ils travaillaient avec Ted, les questions d'ego et d'orgueil faisaient souvent dérailler la poursuite de l'art.
"Je ne pouvais que rire. C'était tout simplement absurde", se souvient Keelan. "Non pas que le contrat aurait fait la moindre différence si nous avions choisi Atlantic et non Reprise. Vous savez, de toute façon, tout cela n'était que du vent".
Quelques mois plus tard, Atlantic confie le contrat des Spike-Drivers à Cream.
"Teddy était en quelque sorte la pierre angulaire de la scène musicale de Détroit à l'époque", a déclaré Stanley Mouse, le célèbre artiste psychédélique à l'origine de la pochette de cet album, à propos de la période qui a précédé l'ère Grande Ballroom, le plus souvent associée à l'identité musicale de la ville dans les années 1960. Pour Harvey Ovshinsky, fondateur du principal journal de contre-culture de l'époque, le Fifth Estate, "les Spike-Drivers étaient le groupe de Détroit à cette époque... Ils étaient les nôtres. Nous n'avions pas les Byrds ou Buffalo Springfield, mais nous avions nos Spike-Drivers".
Ted Lucas avait déjà acquis une notoriété locale en tant que beatnik excentrique et guitariste prodigieux dans les cafés. Mais c'est lorsqu'il a élargi son répertoire à des instruments plus exotiques que les choses sont devenues vraiment intéressantes. En tant qu'enfant d'immigrés grecs de la première génération, Ted a été régulièrement exposé à la musique des Balkans. Cela a éveillé son intérêt pour la musique et les instruments traditionnels d'autres cultures.
Les Spike-Drivers ont mélangé ces sons avec les piliers classiques américains du folk-blues, du rock 'n' roll et du LSD, produisant ainsi quelque chose d'étrange et de nouveau pour 1965. Les gens ont paniqué en conséquence.
Après les Spike-Drivers, Ted s'est rendu à Los Angeles pour étudier le sitar sous la direction de Ravi Shankar et de Harihar Rao. Pendant cette période, il a développé non seulement une maîtrise de l'instrument, mais aussi une aptitude à appliquer ses concepts et techniques à son jeu de guitare. Des ragas de guitare et des morceaux d'improvisation méditative sont intégrés à ses concerts en solo, à côté des chansons folk discrètes et introspectives qu'il a également composées. Cela renforce sa réputation de guitariste, déjà importante, et lui ouvre les portes d'engagements plus importants, de concerts commerciaux et de séances de travail en studio. Le plus remarquable de ces derniers est celui de Motown, où il participe aux enregistrements des Temptations, des Supremes et de Marvin Gaye, entre autres.
"Lorsque je faisais partie du syndicat des musiciens, le Local 5, Ted était le seul joueur de sitar inscrit dans le registre du syndicat", se souvient George Kerby, guitariste du groupe éphémère Ted Lucas & the Phasers, créé à la fin des années 70. "Si vous veniez à Detroit et que vous aviez besoin d'un joueur de sitar, vous deviez appeler Ted.
Ted Lucas commence à travailler sur sa démo pour Warner Bros. en 1971. Bien qu'il soit sincèrement désireux de profiter de cette troisième opportunité avec la compagnie, Ted ne peut s'empêcher d'être blasé par ses précédentes expériences en tant qu'artiste enregistré sur une grande maison de disques.
"Il avait toujours une remarque caustique", se souvient le percussionniste Danny Ballas. Il qualifiait les gens de l'industrie de "sangsues" et de "suceurs de sang". Ted aimait la musique. Il n'aimait pas l'industrie musicale. Il aimait jouer. Il aimait créer. Il n'aimait pas avoir affaire à des gens de l'ombre qui profitaient du talent des autres".
"Vous voyez, nous détestions tous le show-business. Bien sûr, tout le monde voulait avoir un succès discographique, mais nous étions des beatniks et des drogués".
John Sinclair, figure emblématique du Détroit des années 60. "L'aspect commercial ? Nous ne voulions rien de tout cela. Non Ahmet, ce contrat n'est pas assez bon ! Seul un beatnik dirait une telle connerie ! Et je dis cela à propos de Ted comme un honneur et un terme d'éloge. C'était un gangster beatnik à part entière !
Même si Ted détestait notoirement le monde de la musique, on ne peut s'empêcher de se demander dans quelle mesure son dédain aurait été neutralisé s'il avait eu son heure de gloire. Et à quel point était-il motivé -consciemment ou inconsciemment- par la perspective d'être enfin validé par ceux qu'il avait méprisés ? Bien qu'il se sente très responsable vis-à-vis de lui-même et de l'intégrité de sa musique, il n'est pas non plus, en 1971, un novice en matière de business. Il sait qu'il doit jouer le jeu s'il veut avoir une chance de gagner. Si l'on ajoute à cela le poids de son perfectionnisme, de son idéalisme et de son égoïsme, la lutte des quatre années suivantes commence à prendre forme.
En février 1972, Ted Lucas a terminé la démo de Warner Bros. Composée de six chansons - les mêmes que celles qui composent la première face de cet album - la démo de Ted représente son travail le plus abouti à ce jour. La plupart des chansons ont été écrites au cours des deux années précédentes, à l'exception de "It's So Easy", qui remonte à l'époque des Spike-Drivers. Larry Cruse ne l'a jamais oubliée :"C'est une si belle petite chanson. Elle aurait pu être un hymne national. Et il l'a écrite en dix minutes".
Ces six chansons partagent la même qualité durable, couvrant les thèmes les plus vastes de l'amour, de la douleur, de l'espoir et du chagrin d'amour avec une subtilité et une profondeur qui exigent de multiples écoutes avant d'être pleinement révélées. Les arrangements sont de bon goût et sobres, laissant le plus gros du travail à la guitare acoustique de Ted et aux harmonies vocales à plusieurs niveaux. Et bien que la gueule de bois psychédélique des années 60 ait imprégné ces chansons, il s'agit plus d'un héritage que d'un artifice. Elles sont à la fois intemporelles et tout à fait de leur temps. Et Warner n'en voulait pas.
On ne sait pas exactement combien d'échanges ont eu lieu à propos de la démo, mais je dirais que c'est très peu. À ce jour, aucune prise alternative significative ni aucun mixage n'ont été trouvés dans l'énorme bibliothèque de bandes que Ted a laissée derrière lui. Si Mo Ostin avait répondu à la démo de Ted par des notes ou des suggestions, les prises de la bande de 1972 ne ressembleraient probablement pas autant aux versions que l'on trouve ici.
Il semble plus probable qu'Ostin ait simplement répondu "merci, mais non merci". Personne ne se souvient vraiment que Ted ait discuté des détails.
Il a encaissé le coup et mis la cassette de côté.
Ted Lucas passa les deux années suivantes à se bousculer pour travailler sur des sessions à Detroit. Il se rend également à Los Angeles où il tente, sans succès, de rétablir ses relations avec Motown Records, qui vient de déménager. De retour chez lui, à Toronto, il consacre beaucoup de temps à la production d'un album pour son ami Jonathon Round. Il dirige le groupe de Round, le Boogie Disease, et écrit plusieurs chansons pour l'album. L'album est achevé en 1974 et doit sortir chez Westbound Records, comme l'album éponyme de Round l'avait été trois ans plus tôt. Mais une fois de plus, tout s'est arrêté après que Ted ait fait capoter l'accord lors d'une dispute avec le directeur du label Armen Boladian. L'album reste inédit et Round n'a plus jamais enregistré.
"Ted s'est aliéné un grand nombre de personnes influentes qui contrôlaient l'industrie à l'époque, et il s'est blessé lui-même dans le processus", a déclaré Ballas. "Cela a en quelque sorte recouvert sa créativité. Cela a mis de côté beaucoup de bonnes choses qu'il a faites. Et c'était triste.
C'était vraiment triste."
"Tout le monde l'a soutenu au début", a rappelé Evans Lucas, le frère de Ted. "Mais plus tard, je pense que le plus important, c'est que Teddy n'a pas pu supporter le nombre de rejets qu'il a commencé à recevoir. Par sa propre faute, d'ailleurs.
En 1974, Ted Lucas revint sur sa démo de Warner Bros. avec l'intention d'en faire un véritable album. Mais il a besoin de plus de chansons. Il assembla des enregistrements existants de trois morceaux de guitare pour constituer la deuxième face, fournissant un contrepoids expansif et largement instrumental aux simples chansons folk attachées à la première moitié de l'album. Si les six premières chansons représentent le meilleur du travail d'auteur-compositeur-interprète de Ted, ces trois morceaux illustrent sa capacité à être tout aussi émouvant avec une simple guitare. Bien que ce changement de direction puisse sembler abrupt au premier abord, l'inclusion des compositions à la guitare est vraiment ce qui fait de l'album celui de Ted. Si Mo Ostin s'était lancé dans l'enregistrement d'un album complet sur la base de sa démo, il n'y a aucune chance qu'il ait accepté trois jams de guitare pour compléter l'album.
"À l'époque, les maisons de disques ne voulaient pas s'écarter de leur formule", explique Annette Lucas. "Elles ne voulaient pas que vous fassiez du raga sur une chanson et du blues sur une autre. Mais il voulait faire un album comme ça".
Le style de guitare de Ted est vraiment ce qui l'a distingué à Détroit, une ville qui ne manque pas de guitaristes spectaculaires. C'est le fondement de son identité artistique et il méritait d'être mis en valeur.
Il lui consacre à juste titre une face de son album.
En septembre 1970, Jimi Hendrix meurt à Londres. Le double-album qu'il avait construit au cours des deux années précédentes ne sera jamais achevé, son matériel étant divisé et diffusé par d'innombrables canaux au cours des années qui suivront. Ce qui nous intéresse le plus dans cette histoire, c'est ce qu'il est advenu de la pochette de l'album.
"Ted voulait utiliser le motif du scarabée, mais j'étais réticent depuis le début parce que je l'avais fait pour Jimi Hendrix", se souvient Stanley Mouse. "Mais c'est ce qui l'a incité à l'utiliser. C'était un dessin de Jimi Hendrix et il le voulait pour lui". En 1972, avant le refus de Warner Bros., Ted Lucas rendit visite à Mouse à San Francisco. Ils étaient devenus de bons amis dix ans plus tôt, lorsque Mouse vivait à Détroit. Pendant son séjour, Ted demande à Mouse de réaliser la pochette de ce qu'il pense être son prochain album pour une grande maison de disques. À un moment donné, la conversation s'est orientée vers le dessin que Hendrix avait commandé.
"Ted m'a poussé à lui donner un dessin pour la pochette de son album qui ne correspondait pas du tout à ce qu'il voulait", explique Mouse. "Il la voulait simplement parce que c'était une pochette d'album de Jimi Hendrix et qu'elle avait déjà beaucoup de cachet.
Finalement, Mouse a accepté à contrecœur de modifier la pochette de Hendrix pour l'utiliser sur cet album.
"Il a été très convaincant. Il a insisté jusqu'à ce que je dise oui". C'est une décision que Mouse regrette encore aujourd'hui.
Des variantes du scarabée figurent en bonne place sur presque tous les albums ultérieurs du groupe. Étant donné que Ted convoitait le dessin, il semble logique, bien qu'un peu cruel, que la pochette se soit avérée plus précieuse que la musique.
Le 1er septembre 1975. C'est le jour où l'album de Ted Lucas a été
"sorti", selon un document déposé auprès de l'éditeur de musique BMI.
Ted l'a sorti lui-même par l'intermédiaire d'OM Records, le label en sommeil qu'il avait créé pour le premier single des Spike-Drivers neuf ans plus tôt.
L'achèvement de l'album fut une affaire typiquement chaotique.
Comme pour la plupart des projets de Ted, le temps s'est écoulé impitoyablement, sans tenir compte de ses accès de perfectionnisme ou de ses hésitations.
Remixes de dernière minute, overdubs sur la deuxième face, calligraphie pour la quatrième de couverture : les derniers détails de la sortie de l'album l'ont bloqué pendant des mois. Lorsqu'un véritable LP se matérialise enfin, personne ne sait de quelle année il s'agit. Les étiquettes du pressage original indiquent 1974. Le dos de la pochette indique 1975. Une deuxième version a été pressée en 1976. Les années 76 et 1977 sont indiquées à différents endroits sur l'encart. Toutes ces dates incohérentes créent un fil d'Ariane qui nous ramène non seulement à la sortie laborieuse et prolongée d'un album, mais aussi à l'artiste de plus en plus infortuné et frustré qui s'est efforcé de le réaliser.
Pour compliquer encore les choses, le pressage initial sonnait, selon l'oreille de Ted, de manière déplaisante et médiocre. Certains exemplaires présentaient également des trous centraux trop petits pour s'adapter à la broche d'une platine. Ces défauts l'ont amené à retirer le disque des magasins locaux et à cesser de le vendre lors de ses concerts. Il conservait un tiroir rempli de commandes non ouvertes qu'il jugeait préférable de ne pas honorer. Annette Lucas les a retrouvées plus tard, ainsi que quelques "notes désagréables" de fans.
"Beaucoup de gens n'ont pas reçu leurs albums, mais il n'a pas non plus encaissé leurs chèques", a-t-elle déclaré.
Il attribue la mauvaise qualité sonore du disque au vinyle de mauvaise qualité utilisé par le fabricant. Quelques mois plus tard, il a fait réaliser un second pressage corrigé, cette fois avec des étiquettes roses au lieu des jaunes d'origine. Pendant des années, les autres copies à étiquettes jaunes sont restées dans des boîtes jusqu'à ce que, comme le raconte l'histoire, Ted parte à la recherche d'une copie à étiquettes roses, détruisant deux boîtes d'étiquettes "citron" avant de finalement retirer le pressage qu'il voulait. On ne sait pas exactement combien d'exemplaires ont été fabriqués dans l'une ou l'autre variante, mais l'étiquette jaune est beaucoup plus rare aujourd'hui. Ted y a veillé.
Et donc, l'inévitable défaite : l'album de Ted Lucas n'est allé nulle part en 1975, 76 ou 77. Je ne serais pas en train d'écrire ces lignes et vous ne seriez pas en train de les lire si c'était le cas. L'album n'est jamais sorti de Detroit. Il est à peine sorti du grenier de Ted.
On pourrait dire qu'au-delà de son amertume à l'égard de l'industrie du disque et de toutes les opportunités gâchées, c'est en fait le mauvais timing qui a eu raison de Ted Lucas. Il a tout simplement raté son moment. Lorsque l'album est enfin terminé, les enregistrements datent de presque cinq ans, et les chansons elles-mêmes sont encore plus anciennes. Compte tenu de la rapidité avec laquelle l'industrie musicale évoluait dans les années 1970, l'album n'avait aucune chance. La différence entre 72 et 76 est comparable à la différence entre 1940 et 1960. Pour les auteurs-compositeurs-interprètes inconnus comme Ted, la porte marquée "Commercial Audience" n'était plus soutenue par les grandes maisons de disques ou la radio. Il s'est retrouvé à tenir ce disque brillant, bien que tardif, à l'extérieur.
À ce stade, le lien de Ted avec les chansons, le disque en tant qu'œuvre et la musique folk en général s'étiole. Cette situation est exacerbée par les difficultés croissantes qu'il éprouve à décrocher suffisamment de concerts décents pour continuer à vivre. À Détroit, au milieu et à la fin des années
70, vivre de la musique signifiait souvent rassembler un groupe pour travailler dans le circuit des orchestres de bar. Il ne s'agissait pas de composer des œuvres originales ou d'être un sitariste de classe mondiale.
"Ted n'était pas apprécié à sa juste valeur. Pas tant par son public que par le milieu", a déclaré Tom Conner. Conner a publié The Detroit Folk Scene, Vol. I en 1970, une compilation sur laquelle Ted figurait en bonne place. "Ted était un homme à part, et c'est pourquoi il n'a jamais eu de contrat. Personne ne comprenait vraiment d'où il venait".
Alors que les années 70 s'étirent et que son album arrive enfin et disparaît discrètement, Ted tente de s'adapter. Il avait pris conscience qu'il ne rajeunissait pas et se demandait si son âge n'allait pas encore limiter les opportunités qui s'offraient à lui et qui s'amenuisaient déjà. Pour masquer son approche de la quarantaine, Ted a commencé à s'habiller de manière plus flashy et à se maquiller à l'occasion. Il a recruté des jeunes pousses de vingt ans pour le soutenir dans des groupes de rock éphémères comme Ted Lucas & the Phasers et Ted Lucas & the Atomic Spike-Drivers, au titre douteux. Ces groupes jouaient dans les bars et les afterhours de Détroit, avec un répertoire composé essentiellement de reprises, sans rien de la magie qu'il essayait manifestement d'évoquer avec le manche ressuscité de son plus grand succès musical.
Malgré l'importance qu'il s'est accordée dans ces groupes, la reconnaissance du nom de Ted n'est plus ce qu'elle était. Ses chansons originales ont disparu des listes de concerts. Peu de temps après, il s'en est allé.
"Cela lui a coûté la vie", a déclaré son frère Evans à propos de l'échec de l'album et du déclin constant de sa carrière. "Cela lui a vraiment, vraiment coûté la vie".
Ted Lucas n'a jamais cessé d'écrire de la musique, mais il a cessé de jouer en public. Au début des années 1980, ses groupes et son mariage n'existaient plus. Des maladies - mentales et physiques - et l'inévitable ruine financière qui les accompagne, l'obligent à retourner dans la maison de ses parents. À l'exception de quelques brefs séjours à l'hôpital ou dans des motels douteux, c'est là qu'il passera le reste de sa vie.
Ted Lucas est mort le 19 septembre 1992 d'une septicémie, complication d'une opération ratée de l'estomac. Il avait 53 ans.
"Ted voulait divertir les gens et faire en sorte qu'ils s'enrichissent de ses œuvres. Et cela ne s'est pas produit", explique Mark Talaba, l'un des rares amis à avoir suivi Ted jusque dans les années 80. "Cela s'est produit pendant longtemps de toutes sortes de façons fabuleuses, comme des contrats d'enregistrement et des concerts devant un public immense, mais ensuite tout cela s'est tari. Je pense que c'est son album qui a mis fin à tout cela.
"Papa savait qu'il allait mourir jeune", m'a dit Peter Lucas.
"Il a toujours dit qu'il valait plus mort que vivant. Qu'il serait découvert après sa mort, comme Johnny Ace dans les années 50".
Tant de choses ont échappé à Ted Lucas au cours de sa vie, mais la musique, elle, n'y a jamais échappé. Dans une interview datant de juin 1969, il déclare : "Je crois que la plus grande épreuve que puisse subir un artiste est sa capacité à survivre au succès." C'est tragique ; tout ce qu'il a jamais testé, c'est sa capacité à survivre à l'échec. Même si tant d'épreuves ont été provoquées par lui, la musique méritait mieux.
Il méritait mieux.
Ted Lucas savait que son travail était important. Il savait qu'il lui survivrait. Il n'a jamais compris pourquoi il n'a pas réussi à s'imposer en temps voulu. Il a passé toute sa carrière à miser sur la grande percée qui était toujours au coin de la rue, mais il a mal choisi son moment, mal joué, mal jugé la plupart des occasions qu'il a rencontrées.
C'est un miracle que ce disque existe.
Mais heureusement, il existe. Et quand vous l'écouterez, rappelez-vous : quelle que soit l'humanité, la compassion ou l'âme qui a manqué à Ted dans sa quête de l'industrie musicale, ces parties de lui se retrouvent toujours dans ses chansons. Cet album dresse le portrait de l'homme que Ted aspirait à être et du monde auquel il souhaitait participer. Malheureusement, il n'a jamais trouvé le moyen de faire exister ce monde ou cet homme. »
Analogique Linn Sondek Akurate LP12 et Parasound Halo JC3+ Numérique Moon Mind2, Nuprime CDT8 Pro et Audiomat Tempo 2.9 Amplification Rogue Audio RH5 et Moon 330A Enceintes Harbeth C7ES-3 XD Casques HifiMan HE1000v2 et Grado SR 325x
03-27-2025, 08:04 PM (Modification du message : 03-27-2025, 09:09 PM par Antonin.)
Diable ! On se croirait dans The Leftovers !!! A mon tour de me répéter alors… En me baladant à la Fnac je suis tombé (presque par hasard) sur cette reissue 2024 de l’immense On The Beach (1974) de Neil Young, remasterisé par l’ami Bernie Grundman à partir des bandes originales :
Ça sonne terrible !!! Et comme mes disques de Neil Young sont pour la plupart usés jusqu’à la moelle je vais certainement renouveler un peu ma collection
Analogique Linn Sondek Akurate LP12 et Parasound Halo JC3+ Numérique Moon Mind2, Nuprime CDT8 Pro et Audiomat Tempo 2.9 Amplification Rogue Audio RH5 et Moon 330A Enceintes Harbeth C7ES-3 XD Casques HifiMan HE1000v2 et Grado SR 325x
03-29-2025, 05:15 PM (Modification du message : 03-29-2025, 06:26 PM par flht.)
Tony, un petit nouveau à peut-être rajouter à ta liste
Début de WE ! CAN !
Le fameux TAGO MAGO qui manquait à ma collection, c'est une reissue Spoon de juin 2014, repress SST de 2019. Ce magnifique double album date de 1971, pour les fans de Krautrock et de CAN
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), j’ai fini par arrêter de chercher et craqué pour cette belle reissue 2023, pressage Optimal :
Un des (le ?) morceaux favoris de Lou Reed : il aimait les guitares et pensait que c'était la quasi perfection (repensez au fait qu'un des deux ne sait pas jouer), suis d'accord man 
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